ASK + POST 所属作家の松本 誠史が ギャラリーヒルゲート-Garden- (京都) にて個展「新塊人と塊獣」を開催いたします。

「新塊人と塊獣」は、2020 – 2023 年に発表された「地中宇宙塊」「新塊陸」「塊人の庭」に続くシリーズ第4弾となります。2024年夏から冬の3シーズンにかけて、ギャラリーヒルゲートの裏庭スペースにて「新塊人と塊獣」が展示されます。この機会にぜひご高覧ください。

新塊人と塊獣
会　場：ギャラリーヒルゲート – Garden –
会　期：2024年7月4日 (木) − 12月22日 (日)
時　間：12:00 – 19:00（日曜日は17:00まで）
休廊日：月曜日
場　所：604-8081 京都府京都市中京区天性寺前町535
電　話：075-231-3702
W E B：http://www.hillgate.jp
主　催：ギャラリーヒルゲート

■ 概要
第４章「新塊人と塊獣」
生物としても機能を携え、蘇った塊人。
地殻変動の生存者の遺伝子を引き継いで派生した塊獣。
両者の邂逅が、地球の存亡に大きく影響を及ぼすこととなる。

ASK + POST 所属作家の来田 広大が CLEAR GALLERY TOKYO (東京) にて個展「Narrative Landscape」を開催いたします。

来田 広大 個展　- Narrative Landscape –
会　場：CLEAR GALLERY TOKYO
会　期：2024年 2月9日 (土) – 3月2日 (日)
時　間：12:00 – 18:00
休廊日：日.月.祝
場　所：東京都港区六本木7丁目18－８岸田ビル2F
T E L： +81-3-3405-8438
メール：contact@cleargallerytokyo.com
W E B ：CLEAR GALLERY TOKYO
主　催：CLEAR GALLERY TOKYO　

概要
この度CLEAR GALLERY TOKYO は、来田広大の個展「Narrative Landscape」を開催いたします。
弊廊で3年ぶりの個展となる本展では、来田が旅先で購入した古本に引かれていた線を起点に、新たに紡がれる物語とその風景を描いた新作の絵画を発表いたします。

来田は国内外各地でのフィールドワークをもとに、絵画やインスタレーション、野外ドローイング、映像などの媒体で、身体的経験を通じた作品を制作しています。
幼少より登山に親しんできた来田は山をフィールドワークの対象にすることも多く、肉体的精神的にも過酷な状況下で見た風景と、その風景に内包される人間の営みや流れ行く時間を、作品を通して表現してきました。稜線の先にある見えないけれど繋がっている場所に思いを馳せ、定着のしないチョークを主要な画材として、絵筆の他、掌や指で描いていきます。

見えない風景への探求は、その場所で生活する人々や文化と自分との関わりを考察することでもあり、その普遍的な問題意識と共にフィールドワークをもとにした来田の実践は、人類学的思考とも交差していきます。2022年来田がキュレーションをした、ラテンアメリカの先住民コミュニティを研究する研究者と現代アーティストによる展覧会では、メキシコの村で現在も続いている慣習に自身の体験を重ねた作品を制作しました。それは制作を通して、異文化に触れ交流しようとする来田の試みでもあります。
本展の作品群も、言葉も文化も違う見ず知らずの誰かによって引かれた線をたどり、その風景を想像し描くことで、分からないことに対しての関心と共有、来田の言葉でいう「風景に触れる」という意識の顕れです。
一歩一歩、点と点を結ぶように引かれた線は、多くの事柄を差別化し分断してきました。しかしその境界線は何かを隔てるだけではなく、その先には続く世界があることを想起させ、そこに生きる他者の存在が、自己と社会とも繋がっているということを来田の作品は示唆しています。

ーーー
数年前にカリブ海に浮かぶ島キューバを旅した際に、道端で一冊の古本を買った。
その古本の文章のところどころには線が引かれていて、最近になってなぜだかその線が気になりだした。鉛筆のBくらいの濃さだろうか、筆圧も強めでしっかりとした線である。
その本は、農村の教育が変わりつつある1960年代のキューバの歴史について当時の写真付きで書かれており、なぜ買ったのかよく覚えていないのだが、線が引かれた箇所を翻訳していると、誰かが引いた線をたどるように、ぼくはもう一度キューバを旅したくなった。
どこの誰がなぜそこに線を引いたかなんて知る由もないが、他者の視点とともに自身のキューバの旅の記憶をたどることは、本の中の線と風景の中の線を重ねながら、そこに横たわる漠然とした距離感や、その間にある境界線をたどるような行為につながるのかもしれない。
しかしそれは、様々な人が自らを主体にして語られる物語に再構成し、風景の物語として関係性をともに編み込んでいくということにならないだろうか。同時に、緩やかな曲線を描きながら不確定的な未来へ進む旅（あるいは作品制作）のあり方や可能性についても考察できたらと思う。
場所と場所、風景と風景をつなげていく旅のなかに、ぼくがキャンバスに線を引き、絵を描くという理由を見出すことができれば。 – 来田広大

ASK + POST 所属作家の勝又公仁彦が WHAT CAFE (東京) にてにて開催される 「WHAT CAFE EXHIBITION vol.34　WHAT CAFE × DELTA ”TOPOLOGY”」に参加いたします。

TOPOLOGY
会　場：WHAT CAFE
会　期：2024年 2月10日（土）-25日（日）
時　間：11:00 – 18:00（最終日は17:00閉館）
入場料：無料
場　所：東京都品川区東品川2-1-11
アクセス：東京モノレール羽田空港線 天王洲アイル駅中央口 徒歩5分
　　　　　東京臨海高速鉄道りんかい線 天王洲アイル駅B出口 徒歩4分
　　　　　JR品川駅 港南口 徒歩15分
W E B：WHAT CAFE

◆ 参加ディレクター（所属ギャラリー）
① ディレクター：櫻岡聡（FINCH ARTS, 京都） × Hisatomo Kato（CON_, 東京）
② ディレクター：菰田寿允（Marco Gallery, 大阪） × 鈴木亮（EUKARYOTE, 東京）
③ ディレクター：玉置慎輔（The Third Gallery Aya, 大阪） × 石橋高基（KOKI ARTS, 東京）
④ ディレクター：筒井一隆（BnA Alter Museum, 京都） × 李沙耶（LEESAYA, 東京）
⑤ ディレクター：岡田慎平（TEZUKAYAMA GALLERY, 大阪） × 井上彰人（AKIINOUE, 東京）

◆ 出展アーティスト（所属ギャラリー）（敬称略・順不同）
谷本真理（FINCH ARTS, 京都）
GILLOCHINDOX☆GILLOCHINDAE / Jihyoung Han / Taewon Ahn（CON_, 東京）
髙橋穣 / 大竹舞人（Marco Gallery, 大阪）
倉知朋之介（EUKARYOTE, 東京）
藤安淳 / 大八木夏生 / 鮫島ゆい（The Third Gallery Aya, 大阪）
勝又公仁彦 / 井上光太郎 / 土屋裕央（KOKI ARTS, 東京）
船川翔司 / 齋藤雄介（BnA Alter Museum, 京都）
田中秀介（LEESAYA, 東京）
石井佑果 / 小池一馬（TEZUKAYAMA GALLERY, 大阪）
菱沼 優 / Ana Pavón Porras（AKIINOUE, 東京）

◾️ 展示概要
WHAT CAFEでは、東京・大阪・京都の3都市を拠点に活動しているギャラリーやディレクター、アーティストを紹介するアートプロジェクト「DELTA（デルタ）」とのコラボレーション展「WHAT CAFE EXHIBITION vol.34　WHAT CAFE × DELTA ” TOPOLOGY”」を開催いたします。
本展は、関東、関西を拠点に活動する若手から中堅のディレクター計10名が参加し、関東と関西のディレクターが2名1組のペアを組み共同ディレクションのもと、5つのプレゼンテーションによって展示が構成されます。 展示会のタイトルである「TOPOLOGY（トポロジー）」とは、繰り返し変化しても保たれる隠れた性質に焦点を当てることを目的とした思考体系とされ、多彩な特性や背景を持ったディレクターとアーティストによるコラボレーションが連続的に展開される本展の構成そのものを説明すると同時に、プロジェクトの中枢にある考えも包括的に表しています。
多角的な視点から現在進行形のARTを紹介するとともに、様々な価値観や思考が結集した表現に触れることで、横断的なコミュニケーションが生まれる「場」の創造を目指します。

TOPOLOGY / トポロジー
・位置や場所を表す言葉「topo」と学問分野を表す言葉「logy」を組み合わせた言葉
・何らかの形あるいは空間を連続変形しても保たれる隠れた性質に焦点を当てたもの
・繰り返される現象の一周期のうち、ある特定の局面や位置
・収束や連続の概念を定義するために、集合に与える構造

ASK + POST 所属作家の池上恵一が city gallery 2320 (神戸) にて個展「テノココロ 」を開催いたします。

池上 恵一展　- テノココロ –

会　場：city gallery 2320
会　期：2024年 1月13日（土）-28日（日）
時　間：12:00 – 19:00
OPEN ： 土.日.月.火
休廊日：水.木.金
場　所：〒653-0042 神戸市長田区二葉町2-3-20
アクセス：JR・地下鉄「新長田」より徒歩10分、地下鉄「駒ヶ林」より５分。
　　　　　本町筋商店街内果物屋の前の路地をお入りください。
電　話： 078-611-4959 / 090-3845-7279
メール：s.mukai8823@gmail.com
W E B： http:/www.citygallery2320.com
主　催：city gallery 2320　
フライヤー・パンフレット Photo: Tomas Svab
　　　　　　　　　　　　 Design: Miyamoto Nanase
　　　　　　　　　　　　 English translation: Ikegami Kano

「手から読み取り、手に還す―池上恵一論」
京都場 館長　仲野 泰生　（元川崎市岡本太郎美術館　学芸員）
　川崎市岡本太郎美術館で毎年開催される岡本太郎現代芸術賞（TARO賞）。その第5回 岡本太郎記念現代芸術大賞*で特別賞を取った池上恵一。その時が池上との初めての出会いでした。 受賞した作品は《肩凝リズム》。人の肩凝りの10年間の記録をメモにし、そこからオルゴール・ロール紙に肩凝りの場所を記録して穴をあけ、オルゴールにした。
　目には分かりにくい身体の肩凝りを形象化し、音楽化して作品にしたと言えるだろう。 池上は相手の身体を触ることはもちろんだが、相手の身体の状態について言葉で問いかけ、いわゆる問診的なことも行うという。触った感覚の記憶だけでなく、言葉が身体のイメージを補うのかもしれない。
　池上の前回の個展（2023年「親子の凝り―陶芸家編」五条坂清水　京都）では、京都の伝統陶芸家の親子の身体、特に陶芸家の命ともいえる「手」の制作に行き着いた。 父である陶芸家は既に他界されている。同じく陶芸家の息子を中心にお父さんのインタビューをしたり、お父さんの作品を触ったりしながら、陶芸の表面から手の圧力を感じ、池上は父親の手を制作した。
　池上は《肩凝リズム》の頃から揉む相手の身体の内側からの反応としての圧力を感じていたらしい。池上が自身の手から感じる力の原点は、彼の亡き父の身体を触れた時で、その時の感覚を彼は今も持っているという。   　
　ところで私は池上恵一の作品についての文章を書きながら、「身体と言葉」について考えを巡らせた。そして思い浮かんだのが土方巽の舞踏のことである。 前職の川崎市岡本太郎美術館で開催した「肉体のシュルレアリスム　舞踏家・土方巽抄」展（2003年10月11日～2004年1月12日）の関連イベントとして、私は「舞踏フェスティバル　肉体の劇場」を担当した。その時、土方巽の舞踏と彼の言葉と出会った。
　土方は舞踏について 「踊りとは命がけで突っ立った死体である」と定義した。この言葉をきちんと理解するのは難しい。私は「生と死」がギリギリの表裏で一体化していると理解した。それは土方の弟子で土方の舞踏を継承している山本萌のワークショップの参加したときに感じた身体感覚があったからだ。
　山本萌はワークショップで次のような課題を参加者に出した。山本は次のように語ります。 「水はコップに入れると一つの形になります」「人間の身体にも型を与えることで普段、忘れていた身体を取り戻すことができるのです」「鳥の剝製になって歩いてみましょう。内臓はみな抉り出され、口や鼻には綿やガーゼが詰め込まれています。かつて大空を飛んでいた記憶だけが皮膚の表面にあってその記憶に引っ張られて前に進みましょう」と。 この言葉を聞いた時、そしてその言葉のイメージで自分の身体を動かした時に土方巽の言葉を理解できた気がしたのです。
　同様に池上が父の身体に感じた感覚も同様な感覚ではなかったかと、私は想像してみた。 そして彼が陶芸家の親子の身体と手、そして言葉から彼はその形象としての手を作ったのではないでしょうか。
　池上が作った手の形の陶作品は、いわゆる彫刻家が作った（例えばロダンの作品）手の作品とは異なります。 相手の身体を触り、言葉で問うた池上は「生と死の境界」を身体の表面から感じた作品として手を作った。
　陶芸ではなく、彫刻でもない池上恵一のこの手の造形は、土方巽がかつてダンスでもなく舞踊でもなく「舞踏」を作り上げたように、名づけられられない表現領域に池上は自身の身体で一歩を踏み出したのかもしれません。   

池上恵一 プロフィール
美術家。病弱だった幼少期、両親の食養法に救われる。以来、様々な手技療法や武術を習得。心と身体のつながりと変化をモチーフに、いのちの形を絵画や彫刻で表現する。 京都精華大学大学院美術研究科洋画分野修了。第5回岡本太郎記念現代芸術特別賞受賞。  

“Keiichi Ikegami, Reading from the Hand and Returning to the Hand” 　　　　　　　　　　　　　　  Yasuo NAKANO, Director, Kyoto-ba 　Former curator of the Taro Okamoto Museum of Art, Kawasaki     
The Taro Okamoto Award for Contemporary Art, the TARO Memorial Award, is held annually at the Taro Okamoto Museum of Art in Kawasaki. Keiichi Ikegami won a special prize at the 5th TARO Memorial Award in 2002. That was my first encounter with Ikegami. His award-winning artwork was titled, “The Stiffness Rhythm,” in which Ikegami spent a decade recording the locations of stiff parts of the body onto rolls of music box paper, punched holes in those areas, and fed the paper through a music box to create a unique musical composition. 
It can be said that Ikegami has made a work of art that visually captures the musical essence of stiffness in the body, a concept once imperceptible to the naked eye. Ikegami not only touches the body of the person he is working with; he also asks questions about their physical condition in what he calls a “medical interview.” In addition to the memory of the sensation of touch, these words help to supplement perceptions of the body.
In Ikegami’s most recent solo exhibition “Stiffness of Parent and Child: Ceramic Artists,” (Gojozaka Shimizu, Kyoto, 2023), he made ceramic pieces of the body of a father and son of traditional ceramic artists in Kyoto, paying particular attention to their “hands,” which are often considered the lifeforce of ceramic artists. The father, a potter, passed away some time ago. While interviewing the son, who is also a potter, Ikegami touched on some of the late father’s artworks.  While doing so, he felt the pressure of the father’s hands from the surface of the ceramics, subsequently allowing Ikegami to create a representation of the late father’s hands.
Ever since “The Stiffness Rhythm,” Ikegami has touched people, felt their physical reactions and pressures, and has shaped their impressions into artwork. The origin of the power Ikegami feels from his hands began when he touched his own late father’s body— a sensation he still recalls to this day.
Incidentally, while writing about Keiichi Ikegami’s work, I started thinking about the ’body,’ ‘language,’ and the butoh, one of the Japanese contemporary dance forms, of Tatsumi Hijikata. I was in charge of the “Butoh Festival: Theater of the Body,” event that occurred in conjunction with the “Surrealism of the Body: The abridgement of Butoh Artist Tatsumi Hijikata” exhibition (October 11, 2003 – January 12, 2004) held at the Taro Okamoto Museum of Art in Kawasaki, where I previously worked. It was at that time that I encountered butoh, Tatsumi Hijikata, and his definition of the butoh dance.   
Hijikata said, “[Butoh] Dancing is a corpse that stands on the edge of life.” These words are difficult to understand. I took it to mean that ‘life’ and ‘death’ are united at the very edge. I came to this realization when I participated in a workshop by Hijikata’s student and inheritor of the butoh dance, Moe Yamamoto. 　
In the workshop, Yamamoto gave us a physical movement challenge, which he narrated as follows: Water takes on a form when you pour it into a cup. By giving the human body a form, we reclaim the body that we so often forget. Walk around as a taxidermied bird, whose internal organs have been gutted. Whose mouth and nose have been stuffed with cotton and gauze. Only the memory of having once flown in the sky resides on the surface of your skin. Let that memory pull you forward. When I heard this narration and moved my body to the image of those words, I finally understood what Tatsumi Hijikata meant when he defined Butoh as ‘a corpse that stands on the edge of life.’ 　
I imagine that the sensations Ikegami felt in his father’s body were similar to the sensations I felt in that workshop. And from the body and words of the father and son, Ikegami was able to create the hands, not just as physical forms, but as figurative forms as well.   
The ceramic hands that Ikegami makes are different from hands made by other sculptors, such as Rodin. Ikegami crafts his pieces by touching the person’s body and posing questions with words. His artwork captures the sensation of the “boundary between life and death” that he feels on the surface of the body.
This hand modelling by Keiichi Ikegami is neither ceramics nor sculpture. It is Ikegami taking a step forward, with his own body, into the realm of expression that cannot be defined, just as Tatsumi Hijikata created a “butoh” that is neither traditional performance art nor dance.  

Keiichi Ikegami Profile
Artist. As a sickly child, he was saved by his parents’ dietary regimen. Since then, he has learned various manual therapies and martial arts. He expresses the form of life in his paintings and sculptures, using connection and transformation of mind and body as motifs.  Ikegami studied Western painting at Kyoto Seika University Graduate School of Fine Arts. He is the recipient of the 5th Taro Okamoto Memorial Special Prize for Contemporary Art.